Laser Eater

El flaco Yisus puso a Rita Indiana en este blog hace tiempo, especificamente en Diciembre del 2009 (Aqui!). Y desde ese momento fue una obsesión para mi conseguir toda la musica que ella ha sacado, no consegui mucha pero leí mucho sobre ella y me enteré que el 12 de Octubre de este año saldria su disco “El Juidero”.

Me lo compre el mismo dia que salio, hace casi una semana ya, y cada vez estoy mas impresionado con esto en serio. La variedad de ritmos, la narrativa en las canciones, la energia… Rita es una diva! Pero del futuro y con sabor cariberño brotao.

El disco empieza con la cancion que le da el nombre, “El Juidero” habla de que las cosas estan jodias en su pais (La Republica Dominicana) y se va a Puerto Rico. Empieza el disco de manera intensa y rapidamente ya establece que lo que viene mas adelante es sandunga. Pero luego viene “Pasame a Buca” con un bassline de Raggae, mas mellow y enfocandose en la voz de Rita.

Rita Indiana dentro de toda la sabrosura y diversion que el disco proyecta tiene mensajes politicos sobre su pais y el Caribe en general. En la pagina oficial de su disco esta este comentario sobre la producción del video para “El Juidero”

El video sería una persecución en la que Santo Domingo, como dijo una vez el poeta Homero Pumarol “es un perro que se muerde la cola”, un paisaje en el que la única libertad ejecutable en la insularidad más abstracta de todos los tiempos es la velocidad. Esta velocidad que se ha articulado de manera elocuente en el “mambo violento” o “merengue de calle” por lo menos en su primera etapa, es a su vez intento de ruptura con el acartonamiento acomplejado que nos delegó el Trujillismo y el Balaguerato y la esquizofrenia digital irreflexiva y brutal.

El disco en general lleva ese tema de romper con los moldes y los complejos que no solamente sienten los Dominicanos sino todos los caribeños. Rita escribe y habla como la gente de su tierra y se nota en los titulos de las canciones: “Da pa lo do”, “Pasame a Buca”, “Bajito a Selva” y “Equeibol”. Le importa un carajo el lenguaje, solo llevar su mensaje y lo hace de una forma muy potente

Uno de los highlights del disco es la version que hace del clasico de Eurythmics “Sweet Dreams”, en el que traduce el coro a:

“Dulces Sueños
tan hecho de eto
quien soy yo para decir que no
he cruzao el mundo
y lo siete mare
todo el mundo ta bailando mambo”

con un ritmo de merengue electronico y un poco de reggae que esta muy fuera de control.

Este disco ha sido una de las cosas mas potentes que he escuchado en mucho tiempo, Rita esta muy alante.

Aqui esta el video de “El Juidero” que esta fuera de control.

En el día de hoy celebramos la novena edición del Mediokre Punx. Este explosivo junte de rockeros, que surge de la iniciativa de varios compañeros bayamonenses, se ha llevado a cabo desde el año 1998 y ha reunido a un buen número de bandas de punk locales de la pasada década y un poquito en diferentes lugares con el fin de generar un espacio de confraternización, exploración y apreciación por el puro y duro rocanrrol en puro y duro vacile. Para una retrospectiva del Mediokre visite el espacio amigo Reloj Bomba en donde Yoel Gaetán nos hace un recuento de anécdotas desde sus orígenes hasta el más reciente.

Este año la actividad se llevó a cabo el 29 de agosto y el espacio anfitrión fue Nuestro Zon en el viejo San Juan, lugar que desde su creación (inicialmente en la Ave. Universidad en Río Piedras) ha sido un refugio que consistentemente promueve la autogestión musical del país (o por lo menos del área metro) sin ceñirse a géneros ni escenas musicales. Las bandas invitadas fueron: Ron P. Hueso, Muerte a los Fratellis, Francotiradores de la melancolía, Anti-sociales, Re-animadores, Un final fatal, Las Ardillas, Los Vigilantes, Carie, Los Abortados, Diente Perro, Jenny Fatale y los Degolladores y Dávila 666.

A pesar de la preocupación general de los que fuimos sobre la puntualidad del evento, ya que Mediokres anteriores se han destacado por empezar mucho, muuuuucho después de la hora anunciada, además del aviso del paso del Huracán Earl al día siguiente, Ron P. Hueso arrancó un poco tarde pero con un nivel de energía que sentó la pauta para el resto del show el cual fluyó con muy buen ritmo. En realidad todo el mundo echó el resto y se notaba el cuido de cada agrupación por su propuesta. Además el público estaba bien pompiao. En general lo que hubo fue un intercambio de gozaera que resonaba en el local y a las afueras en la calle Tetuán.

Es por esto que queremos compartir con ustedes algunos de los números que el grupo Dale. Dale. Dale logró documentar.

He aquí una muestra de lo que ocurrió esa tarde/ noche:

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Gracias bandas por existir y ponernos a gozar.

Gracias a todos los que toman de su tiempo por crear espacios pa que todos disfrutemos y hagamos de las nuestras.

¡Que disfruten!

Dale.Dale.Dale seguirá subiendo videos a su página de vimeo a medida que vayan saliendo del horno.

Roger le sigue metiendo full y anda por los Estados Unidos con 20 Macks remolcando THE WALL.   El performance esta bien ridiculo.  Construyen la pared entera, estrayan un avion contra la pared, salen marionetas gigantes, un pig inflable operado por control remoto, la destruyen, puro crazyness, visualmente amazing.

Roger Waters tocando Mother Sept 30 2010 en Boston con footage de el cantando en 1980 en el background:

http://www.youtube.com/watch?v=l7qd0pkXSY0

No te lo pierdas si estas en una de estas ciudades:

Oct. 5: New York (Madison Square Garden)
Oct. 8: Buffalo (HSBC Arena)
Oct. 10: Washington DC (Verizon Center)
Oct. 12: Uniondale (Nassau Coliseum)
Oct. 15: Hartford (XL Center)
Oct. 17: Ottawa (ScotiaBank Place)
Oct. 19: Montreal (Bell Centre)
Oct. 22: Columbus (Schottenstein Center)
Oct. 24: Detroit (Palace of Auburn Hills)
Oct. 26: Omaha (Qwest Center)
Oct. 27: St Paul (Xcel Energy Center)
Oct. 29: St. Louis (ScotTrade Center)
Oct. 30: Kansas City (Sprint Center)
Nov. 3: New York (Izod Center)
Nov. 8: Philadelphia (Wachovia Center)
Nov. 9: Philadelphia (Wachovia Center)
Nov. 13: Fort Lauderdale (Bank Atlantic Center)
Nov. 16: Tampa (St. Pete Times Forum)
Nov. 18: Atlanta (Philips Arena)
Nov. 20: Houston (Toyota Center)
Nov. 21: Dallas (American Airlines Center)
Nov. 23: Denver (Pepsi Center Arena)
Nov. 26: Las Vegas (MGM Grand Garden Arena)
Nov. 27: Phoenix (US Airways Center)
Nov. 29: Los Angeles (The Forum)
Dec. 1: Los Angeles (The Forum)
Dec. 6: San Jose (HP Pavilion)
Dec. 10: Vancouver (General Motors Place)
Dec. 11: Tacoma (Tacoma Dome)
Dec. 13: Anaheim (Honda Center)

Yo sé que se ve como algo bien vago de mi parte, pero a mí me gusta leer lo que el autor tiene que decir de su propia obra, por eso mi insistencia con los song by song reviews. Si se trata de un álbum excepcional dentro de la discografía del artista, para los nerds como yo es importante saber un poco más de cada composición. Además, transcribir una entrevista formal toma mucho tiempo y cuando es por e-mail, es mejor así porque no te contestan “si” o “no”.

Darker My Love es un quinteto de California que oficialmente comenzó su carrea en 2004. Un poco antes de comenzar oficialmente, Tim Presley (voz y guitarra) y Andy Granelli (ex baterista) empezaron este proyecto con miras a hacer algo diferente a la banda de hard core punk que tuvieron hasta 2002, The Nerve Agents. Luego Andy se fue de gira con The Distillers y se atrazó un poco la salida de la banda.  El baterista deja sus otras obligaciones y se dedica 100 por ciento a Darker My Love y en 2006 el grupo lanza su disco homónimo. La alineación de la banda era: Tim, Andy, Rob Barbato (bajo y voz) y Jared Everett (guitarra).  El álbum está compuesto por piezas psicodélicas y de vez en cuando pesadas con un sonido que se revuelca con el rock n’ roll de los 6o’s y 70’s, shoegaze, reverb y efectos. En 2008 lanzaron su segundo disco titulado 2. Will Canzoneri (tecladista)  es añadido como parte oficial del grupo en la producción. En esta ocasión la banda apunta a un sonido más melodioso, pero sin abandonar los efectos de sonido y el reverb. Con Alive As You Are (2010), Darker My Love continúa enfocándose en la melodía y composición en lugar de coleccionar pedales de efectos y grabar temas que parezcan más improvisaciones que nada.  La banda sustituye el ataque sónico de sonidos manipulados por armonías, melodías pegajosas, decoraciones elegantes y en fin, un estilo más sencillo. Entre los cambios también está Dan Allaire (Brian Jonestown Massacre), que sustituye a Andy en la batería.

Aunque muchos van brincar y decir que Alive As You Are se parece The Beatles y Grateful Dead, también se puede palpar con facilidad la influencia o cosas parecidas a Fleetwood Mac, Creedence Clearwater Revival, Neil Young, The Kinks, The Velvet Underground, The Byrds y mucho pop de la década de los años 60 y 70.

En mi opinión, el álbum tiene una vibra más positiva y colorida que los dos discos anteriores. Es obvio que añade más variedad al repertorio de Darker My Love y los lleva al nivel que más gente debería llegar: cantar sin tanto reverb y tocar sin tanto sonido manipulado.

A continuación está el Song By Song review de Alive As You Are por Rob Barbato de Darker My Love.

1. Backseat

Rob Barbato: Tim wrote this one after we got back from a month long tour in europe….needless to say it got pretty cold in the back of the van.

2. Split Minute

RB:  When we first started playing this I thought it sounded like R.E.M.. Now I think it sounds like us.

3. 18th Street Shuffle

RB: This is the oldest song out of the bunch and is basically about Tim’s fantasy of becoming part of the Los Angeles Latino gang scene .

4. New America

RB:Another one we wrote last summer. It’s kind of about burning it all down and starting over.

5. Rain Party

RB: Maria Taylor from Azure Ray sang on this one. She loves wine. After she did her vocals and we finished for the day we had a big party back at the house where we were staying at. I didn’t feel so hot the next day.

6. Maple Day Getaway

RB: This originally had a different feel but after listening to many GD (Grateful Dead) bootlegs it came together in it’s current state. Pretty smoking live.

7. Trail the Line

RB: This one actually needed some work and we re-cut a bunch of it at Sound Factory studio in L.A. Warren Zevon recorded “Excitable Boy” there so I was stoked.

8. June Bloom

RB: This has a tape edit where at the end of the song we changed drums and tones and all that jazz. Listen for it and behold the beauty of analog recording.

9. Dear Author

RB:This song poses the question, “What if Mark David Chapman killed J.D. Salinger instead of John Lennon?”

10. A Lovely Game

RB:Another oldie, came together at the last minute. It’s about the self doubt you get from choosing to be in a band and trying to survive in the modern world.

11. Cry on Me Woman

RB: First song we cut on the record.This one has a tape edit too. I hope you can’t hear it. The backing vocals were also done the day maria was there and I was about 8 beers deep at that point. I think I sound pretty good though.

Bonus questions:
Laser Eater: Andy’s  drumming was a vital part of the sound of the first two albums. What new colors is Dan Allaire adding to the band? Are you afraid
Anton Newcombe (Brian Jonestown Massacre) might want to hurt you for stealing his drummer?

RB: Dan rules at drums and at being a rad dude. He understands song writing. He knows when to hold back and when to let loose. Anton’s really nice. I don’t know him to well but when we were in Berlin last year he made us cookies. They were really good too! So hopefully that was a peace offering and he won’t snap.

LE: If you were on a boat by yourself and all of a sudden Sylvester Stallone came down from the sky like an angel, which of his movie characters
would you like him to be:

Rocky
Rambo

His character in Demolition Man

Other

What would you do with him?

RB: Rocky is his most lovable character. I guess we would talk about turtles and drink raw eggs.

LE:  If you were to become a huge superstar, who would you choose to be your bodyguard, Axel Foley (Eddie Murphy) of Beverly Hills Cop or Dennis
Rodman?

RB: Dennis Rodman for sure. I saw him riding on his motorcycle in LA not to long ago and he looked pretty bad ass. Since he went through rehab I’m guessing he might have his act together. If he doesn’t work out there is always Bill Laimbeer.

Para el que quiera leer  de como se grabó Alive As You Are, puden leer lo que Tim escribió en su blog AQUÍ.

Myspace.

Dangerbird Records.

Indiscutiblemente, Les Savy Fav son de las mejores bandas de post-punk en la actualidad; entiendo porque ya se han estado hablando maravillas de Root for Ruin! Mientras que me preparo a escuchar ese disco tan aclamado, me dio por curiosear por el Internet. Estaba pensando si había alguna noticia del disco nuevo de Die! Die! Die!, uno de los mejores secretos escondidos del post-punk actual. Me enteré que el último disco del grupo de Nueva Zelandia, titulado Form, ya había salido en su país natal en Julio.

Le gasp! Luego de un leak ilegal que encontré (no hagan eso chicos), lo escuché de principio a fín y tengo que decirles que es mi candidado para mejor disco post-punk del año. Para los que nunca los han escuchado, son sumamente angulares y agresivos, con una preferencia a traer el lado más intenso de dicho género. Para darles un poco de perspectiva de como suenan, visualizan a Les Savy Fav y Fucked Up teniendo un hijo, pero con genes ancestrales de The Fall. Sin lugar a duda, Form es el disco más melódico que han compuesto, con un sube y baja de progresiones intensas y tensas líneas de bajo que te agarran por el cuello y no te sueltan. Como cualquier grupo con ansias de madurar, las texturas sónicas que traen a colación le dan color a esté formato que engaña con su aparente simplicidad.

Disculpen por mi informalidad, pero tenían que desahogar mi emoción; lo había estado esperando por muchísimo tiempo. Quizás los esté sobreestimando, pero sólo sabré escuchándolo varias veces más. Si no necesariamente pueda contestarles la misma pregunta que planteo, no hay lugar a duda de que estos dos titanes del post-punk querían traer un post-punk más accesible a las pequeñas masas. Bueno, los dejo que voy a repetir mi dosis.

Desde que empecé el blog llevo hablando de una tal banda llamada Autolux que ha estado por sacar un tal disco titulado Transit Transit. Pues por fin, la producción sale mañana.

Cuando el primer sencillo, Audience #2, salió en 2008 (si, hace dos años) escuché unos cuantos bootlegs de esa época y de 2006. Luego apareció el video grabado en From The Basement (Nigel Godrich) de la banda tocando Supertoys. Después de escuchar dichas piezas en momentos diferentes, pensé que Transit Transit era Future Perfect (2004) parte dos.

Para los que no hayan escuchado Future Perfect, en muchos medios lo describieron como una mezcla de My Bloody Valentine con Sonic Youth. El disco expone temas rock n’ roll con guitarras ruidosas, muchos efectos/feedback, una voz hipnótica con melodías sencillas, y muchos interludios y ambientación entre las canciones. La particularidad de Autolux  resalta en el amalgama que nace del junte de la batería delicada, catchy y juguetona de Carla Azar, la guitarra abrasiva, ruidosa y a veces minimalista de Greg Edwards y las líneas creativas y sólidas del bajo que a veces no suena como bajo  manejado por Eugene Goreshter.  En Future Perfect, Goreshter es el vocalista principal.

Dándole al botón de Fast Forward, Transit Transit ya llegó y no es la secuela de Future Perfect .

El álbum arranca con la pieza titulo, “Transit Transit”. Primero  se escucha  un sonido pesado, como de bombo de batería y lo siguen unos “clacks” editados, que juntos sirven de pista principal para la canción. La misma no tiene ni guitarra ni bajo, solo cuenta con piano, voz, efectos, pistas programadas y percusión. Tiene acercamiento minimalista.

“Census” es la segunda y es mucho más rock. El tema persigue más o menos el estilo de Future Perfect, tal vez un poco más oscuro. La dinámica de cambiar de tranquilo a escandaloso es el detonante que hace esta canción tan peposa.  Clásico Autolux.

“Highchair” es de las más que sorprende. La inicia un drum machine programado super sencillo y con mucho bajo. Cuando empieza la voz, Carla entra con los toms de la batería, pero con un toque delicado. Eugene juega con el ritmo de la canción tocando una línea minimalista de bajo que parece guitarra. El trabajo de Greg en la guitarra también es bien simple y la voz casi no tiene mucha melodía. Esta tercera canción se siente un poco más fría que el resto. Me recuerda a la vibra de Third (2008) de Portishead.

“Supertoys“es otra que es Autolux 101. Los highlights son el coro que canta Carla, el solo de guitarra disonante y lo pesado que suena el bajo durante toda la canción.

El quinto tema es “Spots”, una balada anclada por el piano y la voz. Greg dijo en una entrevista que su inspiración principal en esta pieza fue Neil Young. Para mi suena como una mezcla entre el Tio Neil, The Beatles y la ambientación típica de Autolux.  Ademá, tiene unos arreglos y sonidos muy elegante.

“The Bouncing Wall” es otra que viene del left field. Carla toma su primer turno como  vocalista principal en este disco. La canción gravita a través de un loop de guitarra que parece un sintetizador utilizado en alguna película de ciencia ficción. No obstante, tiene la melodía más pop de toda la producción.

“Audience #2” ya lleva un poco más de dos años disponible en todos los perfiles y portales asociados al trió. Es otra de las canciones que no se aleja mucho del sonido de Future Perfect. A diferencia de las otras que se asimilan más al pasado, esta es más mid tempo  y no muy pegajosa. Tiene muchos sonidos disonantes y distorsionados en el fondo.

Groove de batería, bajo distorsionado, guitarra ruidosa y un esqueleto mucho más libre de lo usual es lo que hace que resalte “Kissproof”. El tema no cambia mucho y de la forma en que va progresando se siente natural.

“Headless Sky” tampoco tiene una mecánica muy complicada. Se trata de una pieza que depende de pocas notas, pesada, oscura y apocalíptica. Aquí se nota que el disco ya está por acabarse. Algo interesante de esta pieza es que lo que parece ser la guitarra principal con mucho noise y feedback, en verdad es el bajo.

Transit Transit cierra con otro tema  de Carla. “The Sciene of Imaginary Solutions” continua con el tono apocalíptico de “Headless Sky”, pero más pop y progresivo.  Esta es una canción con mucha atmosfera que va a creciendo poco a poco como una bola de nieve. Tiene muchas partes catchy como el “pa-papa pa-pa-pa” que hace Carla y la línea tan acertada que dice  y repite “it’s all over now”.

En conclusión, el segundo álbum del trío es más variado que Future Perfect. Parte  de la diversidad tiene que ver con que el trabajo de la voz está más dividido. En Future Perfect, Eugene canta nueve, y los otros dos cantan una cada uno. Aqui el bajista  lleva el lead en cuatro temas, Greg en cuatro y Carla en dos.  Hay que resaltar que entre los tres hacen muchísimas armonías. Además, muchas de las canciones tienen una arquitectura más libre.

Por otra parte, cada músico resalta de otra manera. Greg Edwards enseña más sus destrezas en el piano y composición. Carla Azar añade muchos detalles con el xilófono y glockenspiel. Eugene Goreshter trae más estabilidad con sus canciones y su bajo suena como un fuckin bulldozer.

Si estás esperando con ansias una réplica de Future Perfect, ni te molestes. Transit Transit, aunque no es tan loud ni rock n’ roll, es más sofisticado y original. Me atrevo a decir, y estoy 100 por ciento seguro de esto, que es igual de bueno que su disco debut.

Escúchenlo en su Myspace.

Cómprenlo en su portal oficial.

Esta película tuvo un limited release el año pasado  y ahora la pueden conceguir en DVD.   El documental presenta una biografía individual de la vida musical de Jimmy Page, The Edge, y Jack White y las diferentes técnicas que cada uno aplica a la  guitarra.  Finaliza con footage de una discución y jameo entre los tres.   Hay una escena super nítida al final en donde Jimmy Page empieza a tocar With a Whole Lotta Love y The Edge y Jack White sonríen como little kids.  Acho, quién no?  Check it out if you can.  Está muy buena.

Finalmente llegó el momento.  Dos Tigresas y Un Caballito de Mar se dió la tarea de presenciar y documentar el Indie Rock Fest 2010 en representación de Frecuencias Alternas y Laser Eater.  Nuestro aprecio y amor infinito por las escenas musicales de nuestro país nos llevaron a documentar este evento ya que pudimos encontrar en un mismo día y espacio grupos e individuos que admiramos.

Este esfuerzo se lleva trabajando durante este y el pasado mes debido a la amplia documentación, el montaje y la edición específica.  Durante el proceso ambos medios delineamos una estrategia para ver de qué manera cubriamos este evento anual cuya versión es la tercera.  Nos dedicamos a reseñar el festival con una cobertura especial que cuenta con documentación fotográfica y auditiva, reseñas escritas, y entrevistas/conversaciones en video.  A la documentación en video le rendimos muchísima importancia ya que nos aseguramos de entablar conversaciones basadas en una línea editorial que no solo acontece al momento.  Go Organ! y Polidesto no aparecen todavía en la sección de videos porque actualmente nos encontramos en el monaje y edición de sus entrevistas ya que se realizaron en un momento posterior al festival.  Además, resulta necesario destacar que nuestra intención fue incluir  en la sección de los videos a todos los actos musicales que se presentaron durante la noche e hicimos todo lo posible para poder llevar a cabo las predilectas entrevistas/conversaciones y documentación de los “performances” pero algunos no respondieron al llamado o simplemente dijeron que no.

Aquí en Laser Eater encontrarás dos reseñas, una que se encuentra al final de esta misma entrada que trata sobre una evaluación del evento, teniendo en consideración algunos puntos a favor y otros a mejorar.  La segunda la encontrarás como una entrada adicional y su contenido se basa en reseñar brevemente los actos musicales presenciados durante el festival.  Además, están disponibles los siguientes enlaces:

Cobertura Fotográfica

Cobertura en Video: Conversaciones/Entrevistas y Performances

Mesa Redonda en Frecuencias Alternas

Este esfuerzo fue uno colaborativo entre Frecuencias Alternas y Laser Eater.  Además colaboraron en la documentación audiovisual: Derek Lee, SR, Alfredo Richner (@redod) y Gabriel Sánchez (@reed_rothchild) de PuertoRicoIndie.com,  Lara Serrano  y queremos agradecer muy en especial a Ezequiel Rodríguez, Amarilys Oyola y José “Pepe” Pesante de Frecuencias Alternas, un espacio radial y cibernético del cual somos discípulos.

Dos Tigresas y Un Caballito de Mar es un proyecto de creación y documentación audiovisual compuesto por: Jesús Vázquez, Claudia Calderón y Rubén González.

Enyoyen.

Reseña del Evento (Ventajas y Desventajas):

Foto: Jesús Vázquez

Lo que hicimos el 29 de mayo de 2010 fue cubrir el tercer Indie Rock Fest auspiciado por Coors Light y Angelo Medina.

Desde el principio nos pareció buena idea hacer un evento de esta magnitud, contando solo con bandas locales buenas y originales. La gran mayoría de los músicos participantes han manejado su trayectoria de forma independiente (desde sus grabaciones, giras, eventos, etc…). Sin embargo, la publicidad que se le dió al evento y su organización apuntó a otra parte.

Puntos negativos de la organización:

• A la gente que iba a entrar le rebuscaban los carros para que no entraran con bebidas alcohólicas u otras cosas que vendieran dentro del festival.
• La rebuscada la hacían dos veces.
• La cerveza en el festival estaba a sobre precio.
• A las mayoría de las bandas se les pagó alrededor de $500.
• No todo el mundo pudo hacer “soundcheck”.
• En las dos ediciones pasadas llovió. A finales del mes de mayo SIEMPRE llueve.
• La tarima no se construyó para proteger a los músicos de la lluvia (como se hace en todos los festivales del mundo).
• El espacio para proteger los instrumentos y equipo de la lluvia  era una basura.
• El anuncio de la cerveza auspiciadora que dice: “close your eyes…” me tenía mareado y fue innecesario ponerlo cada dos segundos.
• Las bandas no podían meter su carro cerca de la tarima, pero Robi Draco Cornelius Rosa, que ya tenía sus instrumentos  y equipo a salvo, sí.
• El conteo pre grabado para anunciar la banda que estaba en tarima fue la peor idea.
• No se le busco alternativa a las músicos (Balún y Mima) que le cortaron el “set” por la lluvia.
• No cumplieron con el horario establecido en contrato con algunas de las bandas.

Puntos buenos:

• Se le dio oportunidad a puras bandas locales y auto gestionadas.
• Balún, tach.dé, Campo-Formio, Juventud Crasa, Mima y Superaquello tocaron bien cabrón.
• Go Organ! y Polidesto que no pudimos ver, me dijeron que mataron.
• No tengo más nada bueno que decir.

En conclusión, como nos dijo un amigo (Diego Rodríguez  AKA Jago): “Yo me sentía como ganado. Como si nos hubiesen encerrado a consumir Coors en lo que llegaba el concierto de Robi Draco Cornelius”.

Es obvio que esto fue un concierto de Robi Draco Cornelius Rosa, pero disfrazado como festival para aumentar el consumo de una de las cervezas más malas que venden en Puerto Rico. No obstante, la música que se presenció fue alto calibre y pura calidad. Todos los artistas hecharon el resto y demostraron un profesionalismo, respeto y amor genuino por lo que hacen.

Foto: Jesús Vázquez

Aquí, una Reseña textual de lo que pasó en el Indie Rock Fest 2010 teniendo en cuenta las presentaciones musicales.

Foto: SR

Salimos de casa de CZ después de haber comido un suculento almuerzo vegano como a las tres de la tarde, dos horas después de lo  planificado. La tardanza fue provocada por  unos cuantos contra tiempos,  lluvia, tráfico y un leve despiste (pasarnos de la salida del lugar) que nos obligó a llegar más tarde todavía. Cuando llegamos al aeropuerto de la base Ramey  ya era como la seis de la tarde y había tocado Polidesto y Go Organ!. Queríamos ver a los dos. Polidesto siempre tiene música fresca y Go Organ! monta buen show y se presta para buenas fotos. En lo que nos bajamos del carro estaba tocando Balún y cuando llegamos a la tarima ya se estaban bajando porque les cancelaron su presentación por la lluvia.

Foto: Alfredo Richner (@redod)/PuertoRicoIndie.com

No se ha dado ningún Indie  Rock Fest en el que no llueva. Es más, el del año pasado el aguacero que cayó interrumpió el disfrute del público y arruinó unos cuantos performances. Desde que yo me acuerdo, en mayo, específicamente a finales, siempre llueve. Los anfitriones del festival ya tenían experiencia con esto y aun así no prepararon la tarima y tampoco se les ocurrió preparar un área 100% segura para que los músicos pudieran guardar sus instrumentos  y no se les mojara el equipo. Varios músicos participantes del evento se quejaron de esto.

Foto: Alfredo Richner (@redod)/PuertoRicoIndie.com

Siguiendo con las bandas y sus presentaciones… dos de los integrantes de Balún vinieron de Nueva York para solo tocar tres canciones. La banda había preparado un set en el que iba a estrenar canciones nuevas.  Desgraciadamente tendremos que esperar a que las saquen en disco o puedan volver a Puerto Rico para escucharlas.

Foto: Jesús Vázquez

Después de Balún  vino tach.dé. No me acuerdo desde cuando el cuarteto está tocando por ahí. Tres de sus integrantes han  participado juntos en diferentes bandas desde el 2000, 2001 o tal vez antes.  La cosa es que siempre que los veo tocar salgo con una opinión distinta. A veces me vuelan la cabeza, otras veces no me gustan tanto y en otras ocasiones salgo con sentimientos encontrados. Esta vez  me fui con la primera reacción: me volaron la cabeza.

Al principio no sabía que esperar de ellos en un ambiente de festival. La música de tach.dé no es muy pop y tampoco es la típica banda de festival que pone al público a brincar, participar, etcétera. La música que ellos producen es algo más “moody”  que nada. Se nota que muchas de sus canciones son producto de la improvisación y de tratar de crear momentos que persigan algún sentimiento en específico. Sus composiciones  cuentan con espacios suficientes que permiten que cada instrumento respire  y a la misma vez da lugar a que  las piezas se desarrollen poco a poco. Las guitarras juegan con melodías,  capas de sonido, ambientación y caos. Los dos guitarristas se complementan efectivamente entre sí. Por otra parte,  la sección rítmica siempre mantiene una base solida y detallada.

Tach.dé tuvo la suerte de tocar en pleno crepúsculo. No es por ponerme con cosas poéticas o charrerías de esas, pero la música  que produce el cuarteto es un soundtrack bastante acertado para el atardecer. Por lo menos eso es lo que  nos pasó a algunos de nosotros por la mente.

Foto: Jesús Vázquez

Después vino Campo-Formio. Se trata de un trío rock n’ roll con una propuesta musical retadora. Siempre me ha gustado mucho que la banda, a pesar de estar compuesta por tres integrantes, suena como si tuvieran un army detrás.  Campo-Formio tocó piezas de sus primeros dos EP’s y otra nueva. Su repertorio siempre está bañado en energía, incluyendo piezas con estructuras complejas y otras más directas.

Lo mejor de su presentación es que se notaban relajados en la tarima. También fue palpable que la estaban pasando bien mientras destruían con su movida.

Después de dos sets tan cabrones por dos agrupaciones diferentes, llegó Juventud Crasa.  Esta es una banda de punk rock compuesta por seis integrantes: dos cantantes, dos guitarras, bajo y batería.

Foto: Jesús Vázquez

Primero, la producción del evento (Coors Light) le manifestó al sexteto que iban a tocar a las 9pm y después le dijeron que a las 8:40pm. A Juventud Crasa los pusieron a tocar a las ocho de la noche, cuarenta minutos antes de lo acordado. Es importante recalcarlo porque en su contrato se había estipulado la hora a la que la banda iba a tocar porque José Ibañez (guitarra y coros) ya tenía otro compromiso a una hora más temprana en Cayey. Por esa razón, a la hora que la producción le estaba exigiendo a Juventud Crasa que se presentaran, José obviamente no iba a  poder estar presente. La banda decidió tocar y eventualmente, al final de su set, llegó el guitarrista para unirse a los dos últimos temas.

Tomando en consideración los inconvenientes, la banda tocó un buen set. Victor, uno de los dos canatntes, hizo varios comentarios para tratar de atenuar la situación. También imitó con la voz los solitos de guitarra que hubiese hecho José.

Para los que nunca hayan escuchado a Juventud Crasa, se trata de una banda veterana de punk rock. Aunque la mayoría de sus canciones son cortas, muchas tienen estructuras bastante progresivas y detalladas, usan súper bien la combinación de las dos guitarras y cuentan con dos cantantes (Victor y Desiree) que se complementan bien melaza.

Foto: Rubén González

Luego vino Mima. Su corto set contó con un uso bien fresco de efectos, mucha percusión, grooves,  Pachy de tach.dé  y  Go Organ!. Mima tenía el setting de instrumentos y equipo más complejo de todos las demás performances. Lamentablemente, nada más pudo tocar tres canciones por la lluvia. Vuelvo y reitero,  esto se pudo haber evitado con una tarima mejor construída. Encima de eso, la organización del frestival no se preocupó por explicar que las bandas que se tuvieron que ir por la lluvia fue por órdenes de los organizadores y no por elección de los artistas.   Además, no se le proveyó un espacio alterno de presentación ya fuera cuando escampara, en alguna fecha posterior o de cualquier otra forma.

Foto: Rubén González

Cuando escampó y el cielo ya estaba mucho más claro, subió a la tarima la banda Los Convertibles. Lo que el grupo del oeste toca es un rock melancólico, atsmoférico y pop.  El público demostró su agrado.  Esta banda no es lo mío y para mí suenan un poco genérico y bien fórmula. El grupo no tocó mal, pero me dió un poco de sueño.

Antes de que cada banda tomara la tarima, por las pantallas y las bocinas salía un conteo tecatísimo que anunciaba la llegada de la banda.  En el caso de Superaquello fue así:

Cinco…

Cuatro…

Tres…

Dos…

Uno…

¡LOS CONVERTIBLES!

Foto: Jesús Vázquez

Wow. Superaquello le dio skip a eso y empezó con la introducción de Sticky, la tercera canción de su segundo disco: Bien Gorgeous. Entonces, los organizadores pensaron que era tremenda idea volver a poner  el conteo pero con el nomre de la banda que era, aunque fuese por encima de la canción que ya estaba tocando.

La banda presentó un repertorio bastante safe. Las canciones que incluyeron eran casi todas favoritas. Ví por primera vez “La Oferta” de Superaquello Interpreta Latarde. Otro highlight fue escucharlos tocar Nave que es una de mis favoritas.

Los integrantes de Superaquello a los que todos estamos acostumbrados son Eduardo, Patricia, Jorge, Francis y Pablo. Ya desde hace un tiempo la banda está tocando con Doel en el bajo y Waldy en la batería. El primer concierto que dieron con ellos nada más los usaron para las canciones nuevas. Luego los han ido incorporando más hasta que ya por fin se siente que son parte indispensable de la banda. Siempre había sonado bien con ellos ahí, pero ahora se siente como una unidad, no como Superaquello  con dos invitados.

Finalmente le llegó la hora a Robi Draco Cornelius Rosa. Se tardó un ratito en subir y llegó con una banda bastante grande. El ex menudo completó su turno casi todo el tiempo sentado. Sin embargo, se notaba animado y contento de estar ahí.

Foto: Jesús Vázquez

Yo no soy el super conocedor de la música de Robi y tampoco la escucho, pero conozco varias canciones. Por lo menos lo suficiente como para identificar que la mayor parte de su set estuvo compuesto por piezas de Vagabundo y Vino o El Teatro de lo Absurdo (cualquiera que sea el nombre). El show estuvo bueno, pero tampoco me voló la cabeza. Algo nítido fue que tocó una canción de The Stooges que se llama Raw Power, que sale en el disco que se llama igual que el tema. La cantó un amigo de él que nadie sabe quien es, pero se nota que lo hizo por pura diversión. Mi única queja es que extendió la canción como 15 minutos con un jameo medio mongo. Entonces, cuando se acabó el set, Robi se montó en una guagua y se acabó el festival.

Cobertura Fotográfica Completa

Cobertura en Video: Conversaciones/Entrevistas y Performances

Por último, la gente melaza de Puerto Rico Indie también reseñó el evento aquí.

Touch Me Baby.

Kleptones – Come Again (Beatles vs Rare Earth vs Beaties vs Daft Punk vs Cypress Hill vs Boston) Video by Crumbs Chief from The Videotones on Vimeo.

Esta pieza tan fresca, es de la canción de The Kleptones llamada Come Again que contiene sampleos de Los Beatles, Rare Earth, Beastie Boys, Daft Punk, Cypress Hill y Boston. Pura crema. The Kleptones, aka Eric Kleptone, es un DJ de Brighton UK, que ha producido una serie de albúms de mashup que solamente se encuentran en la web. Usualmente mezcla pistas instrumentales de rock y r&b con letras de rap y hip-hop. Su nombre proviene como paródia hacia el nombre del guitarrista Eric Clapton, y “klepto” porque roba y colecciona tonos de otros seres.

Resulta que este individuo además de crear tan buena música y promover la cultura libre y sin restricciones, pues tiene un corillo colaborativo de voluntarios y amistades que lo son el proyecto The Videotones, quienes utilizan pedazos de escenas y cortes audio visuales para proveer una propuesta visual a las canciones de The Kleptones. De más está decir que se pasan de la raya con la melaza que hacen.

El que esté buscando ese punk rock con influencias folk y letras políticas y sarcásticas se llevará una gran sorpresa con el quinto disco de larga duración del cuarteto de Gainesville, Florida. White Crosses (2010) no es nada como los primeras tres producciones de Against Me!

Esta nueva colección de canciones es mucho más power pop y straight up modern rock que nada. Sin embargo, se pueden notar influencias de personajes como Bruce Springsteen y Tom Petty.  Aún así, jugaron con otros sonidos. El intro de “Spanish Moss” me recuerda a “Won’t Get Fooled Again” de The Who, mientras “High Pressure Low” suena como New Wave para vaqueros.

Los cortes más punk rock del disco me recuerdan mucho a Bouncing Souls por sus coros pegajosos  y listos para unos cuantos super sing alongs. En términos de producción es el más pulido de todos los discos de Against Me! El álbum tiene piano y sintetizadores por aquí y por allá, más capas de sonidos de lo usual y la voz la trabajaron bastante.

Tom Gabel (voz y guitarra) se apartó un poco de las letras políticas y sarcásticas, enfocándose ahora mucho más en lo personal. La gran mayoría de la lírica toca el tema de crecer, cambiar y mantenerse firme en lo de uno.

La banda suena bien segura de lo que quiere en White Crosses. A diferencia de su disco anterior, New Wave (2007), que tiene muy buenas canciones pero suena desbalanceado, esta vez el cuarteto apuntó a una dirección y logró llegar. Su destino final era un disco pop, conciso, honesto, fácil de disfrutar y con una composición de calidad que no se pueda enmarcar en una época específica.  Por lo menos eso leí en algún lado. De cualquier manera, para mí, Against Me! lo logró. Que se jodan los haters.

uouououououououououou!!

Video de “I Was a Teenage Anarchist” :

Portal oficial.

Ink & Dagger es una banda super subestimada. Lo que me motivó a escribir este post, aparte de  haber hecho música increíble, es que es vi que se van a reunir para un festival de hardcore. Eso me estuvo rarísimo porque Sean McCabe (vocalista) murió en el 2000. Con un poco de research encontré que el grupo se está reuniendo con Geoff Rickly (cantante de Thursday) tomando el puesto de Sean para recaudar fondos por  una causa benéfica. Para más especificaciones de la causa pulsa aquí.

El estilo del grupo siempre fue un hardcore que recogía influencias del sonido de Washington DC, en especial de las bandas de Dischord Records. A veces podía comprar a Ink & Dagger con The Nerve Agents porque ambos tocaban hardcore, tenían una imagen oscura y experimentaban con distintos sonidos y estructuras.

Mi disco favorito de Ink & Dagger es el último, que es una producción homónima y salió luego de que se separaran. El mismo fue lanzado por Buddyhead Records en 1999. Este trae la colección de canciones más variada del grupo y en la que demostraron un gran crecimiento musical. Mezclan su hardcore con  efectos, diferentes ritmos, capas de sonido, ruido, intervenciones instrumentales y más.

Perfil de MySpace por un fanático.

Besnard Lakes trajo un sendo masacote anoche a TT The Bears en Cambridge MA.  Fué el último show de un tour de ocho semanas y estaban celebrando full con shots de jager durante el set.  Tocaron un montón de las canciones del nuevo disco y también tocaron un cover de The Kinks mientras el cantante cambiaba una cuerda de su guitarra.

Estubo cabron.  Gracias juan.  El video de Albatross me pompió a escuchar más de esta banda.

BEAT LA.

Operation Ivy fue una banda que existió al final de los 80′s.  Justo cuando sacaron su primer LP se rompió la banda.  Pero god damn que clase de álbum!  En los 90′s sacaron un re-issue del LP llamado Energy junto a su EP, Hectic.  Son 27 canciones cargadas y crudas con mucho punk rock, ska punk, y callejería.  Lo mejor de Energy es que suena real.  En las canciones puedes notar la desesperación y el desencaje social, entre muchas otras emociones genuinas.

Miles de bandas han tocado covers de canciones como The Crowd, Knowledge, Jaded, Sound System, Yelling in my Ear.  (Estaba escuchando Energy ayer y me acordé que The Figments tocaba Jaded.)

Dos de los miembros de Operation Ivy (Lint (Tim) Armstrong y Matt Freeman) formaron Rancid y la canción Journey to the end de and out come the wolves supuestamente es de sus experiencias en Operation Ivy.

The Crowd:

Knowledge (live):

Ya llevo como dos semanas con este disco en repeat. La disquera de ellos, Distile Records, me puso alante con este excelente release.

Untied States es un grupo de Atlanta, Georgia  y les gusta mucho el rock n roll ruidoso de finales de la década de los 80 y principios de los 90. Con esto me refiero a bandas como Fugazi, Shellac, Sonic Youth, The Jesus Lizard, etc…   Sin embargo, su sonido no parece algo del pasado. La banda ha sabido manejar su sonido de tal forma que no se puede categorizar en ninguna época específica.

También tengo que añadir que hay ciertos momentos del disco que me recuerdan a Liars y The Locust.

Instant Everything, Constant Nothing cuenta con todo lo siguiente:

• Energía
• Guitarras ruidosas
• Disonancia por aquí y por allá
• Arpegios
• Sintetizadores y piano en los lugares correspondientes
• Un baterista bastante suelto pero con ritmos consecuentes
• Líneas de bajo sólidas  con un tono bien cálido
• Detalles, ruidos y sonidos electrónicos random
• Cambios violentos
• Algunas piezas más melódicas
• Variedad de estructuras en las canciones: algunas sencillas y otras super progresivas

Yo amo cuando puedes describir una banda diciendo punk rock, rock progresivo y guitarras ruidosas en una misma oración.  Instant Everything, Constant Nothing es un álbum explosivo que merece mucha más atención.

MySpace

Portal oficial

Distile Records

El sabado pasado Major Lazer pasó por aca y fue un show demasiado bravo y diferente. Mas que un show era un party fuera de control con musica excelente todo el tiempo.
El set-up es Diplo dominando los turntables (Switch no estaba en el show, se quedo en Jamaica terminando el disco que sale en verano) y Skerrit Bwoy de hype-man/bailarín/acrobata por la tarima, tambien esta Mimi que es una version de Skerrit Bwoy en mujer y 4 bailarines mas que lo que hacen es humpear todo el que se meta en tarima con ellos.

La musica es lo principal del show sin duda y Diplo es un DJ que sabe la movida y esta duro como ningun otro. La mezcla de dancehall y electronica de Major Lazer es multiplicada por 1000 en vivo, tirando reggae viejo como “Murderer” de Barrington Levy y “Judgement Day” de King Jammy antes de caer con “Woo Boost” de Rusko y meter dubstep por el lado. No solo mezcla clasicos de reggae y dancehall tambien tira cosas recientes, como cuando Skerrit Bwoy pregunto “What da fuck ya gon’ do now Diplo?” y el cabron salio con Hold Yuh de “Gyptian”… muy bravo. Otro momento violento del show fue cuando mezclo “All That She Wants” de Ace of base con “Keep it Goin’ Louder”, la gente obviamente se volvio loca con “Pon’ Da Floor” y Diplo la metio en la mitad del set y despues en el encore la mezclo con una cancion que no se cual era pero le añadia mas intensidad y bajo a la cancion.

El vibe del party era muy cool con todo tipo de gente entre el publico, rastas, hipsters, gente artsy, frat boys, ravers… pero todos gozando.

Videitos!

En Laser, nos gusta mucho el no wave. Anteriormente, hemos hablado de Liars y Health, pero en la mezcla quedó olvidado la agrupación Golden Triangle. Aunque la propuesta que trae este sexteto de Brooklyn no es enteramente original, el sonido que crean es como chuparse una paleta con chicle: dura en su circumferencia, pero dulce en su interior. Eso no suena nada malo. Disfruten de Neon Noose, primer sencillo sacado de su debut lleno de demasiado reverb titulado Double Jointer.

Exceso de reverb=not awesome. Melodía combinada con reverb=awesome.

Jazz, experimentación, bossa, beats, misterio, poesía, sexiness.

El título de No mas pornografía de conejos, los whirlsitos, el looseness de los drums, la exploración de la guitarra.  El misterioso suspiro de Cuidado !! Los beats de Fanatic.  Los pans del guitar riff de DNA Strains.  El overall coolness de Tribute con la melodía del saxo bien sexy y una guitarra que dice un millón de cosas.  La energía de Polaroids for Daddy.  El riff de vientos, el flow de la cantante, y el crescendo de “reality, struck like lightning and seeing the putrid waters that mirror our defecated city made you turn away and look at what looks pretty”.  Los ritmos mojados de la guitarra de Ultimo Chance, el primer sneak attack del synth, y el surprise ending.  Corvocado, una de mis canciones favoritas, super laid back, los saltitos de la melodía de voz, la bossa urbana.  El mundo mágico de los delays de The Guitar and the Delay.  El break down del medio de Sr. Lofi.  El bass line de Nolas y Halloween. La guitarra de Alejándome que complementa el viaje volador de las harmonías.  El winding down de lo que parece un xilófono de El Harpa de Jesus.

…y mucho mucho más.

Si no has escuchado este album hazte un favor y cómpralo en iTunes o stream aquí.

Fool’s Day es la primera canción que el cuarteto de Inglaterra graba con su guitarrista original, Graham Coxon, desde el 2000 que sacaron Music Is My Radar para la primera compilación de éxitos. La pieza es como un paseo por Piñones en bicicleta a las cinco de la tarde en pleno verano, después de haber escuchado cantidades industriales de pop inglés de la década de los 60 a lo The Kinks. Al que le interese tener una copia física, está bien jodio porque ya se vendieron todos los vinilos. Nada más sacaron una cantidad extra limitada que te costará un ojo de la cara por eBay.

Escuchen el tema aquí:

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Descarga.

Este  video es del tráiler del DVD que hicieron para su reunión del verano pasado. Alguien cómpremelo porfa. De agradecimiento puedo regalar masajes, pagar un almuerzo en Panda Express , un tour por Ponce,  una carrera con mi perra o el número de teléfono de Chamo. Que fucking ganga.

Hace una semana vi a una de mis bandas favoritas destruir la movida en Boston. Como bien dice el titulo, si, se trata de Black Rebel Motorcycle Club.

Ya he puesto bastantes posts de ellos como para que no se hayan dado cuenta que soy un super fan. Así que cuando me enteré que iban a tocar en Boston un sábado, me apunté y fui para allá.

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